Rirkrit Tiravanija: food for thought

Rirkrit Tiravanija (1961 -  )

Rirkrit Tiravanija, artista de origem tailandesa, nascido na Argentina e criado entre Tailândia, Etiópia e Canadá. Sua obra dá continuidade ao projeto da união arte e vida iniciado por Marcel Duchamp e Kurt Schwitters. Nela, impera a precariedade dos materiais ou, segundo Bourriaud, o uso de materiais mendigos.

Diante de uma obra que consiste essencialmente no consumo de um prato, e por meio da qual os visitantes, tal como o artista, são levados a executar gestos cotidianos, Tiravanija nos lembra da nossa própria vida em sociedade.

Apesar de Tiravanija preparar e servir comidas em algumas de suas obras, vemos que a arte não reside no prato, o que poderia ocorrer se fosse um trabalho de gastronomia propriamente dito. A arte tampouco reside na preparação da comida, mas sim na interação entre as pessoas que tiveram a sorte de participar de uma destas ações. Na atividade humana de produzir e consumir e a partir deste consumo, produzir novos significados. 

Tiravanija é um artista que inventa novos vínculos entre as atividades artísticas e as atividades cotidianas (ouvir música, comer, descansar, conversar). Ele cria espaços de sociabilização precários, nada duradouros, mas eficazes porque irão privilegiar o contato humano e ao mesmo tempo expor as noções de comunidade e do efêmero.

joan mitchell: violência e lirismo

(1925-1992)

"My paintings are titled after they are finished. I paint from remembered landscapes that I carry with me - and remembered feelings of them, which of course become transformed. I could certainly never mirror nature. I would more like to paint what it leaves with me." 

Joan Mitchell considerava-se a última pintora expressionista abstrata americana. Sua obra é marcada pelo ritmo composicional, pela gestualidade das pinceladas e pelo uso de cores vivas e impactantes. 

Inspirada nas paisagens naturais e na poesia, sua intenção não era produzir imagens reconhecíveis, mas que pudessem expressar emoção.

Em geral, a crítica descreve seu trabalho como violento e, ao mesmo tempo, lírico.

yayoi kusama: love forever

“Minha arte é uma expressão da minha vida, sobretudo da minha doença mental, originária das alucinações que posso ver. Traduzo as alucinações e imagens obsessivas que me atormentam em esculturas e pinturas.”

A artista japonesa, Yayoi Kusama, nasceu em março de 1929 e, ainda hoje, aos 83 anos, trabalha ativamente. Segundo Yayoi, desde a infância ela sofre de alucinações. Sua mãe era uma mulher de negócios e jamais aceitou a veia artística da filha, chegando a agredi-la fisicamente diversas vezes por causa disso. Numa espécie de fuga, ela passou a expressar, usando guache, aquarela e tinta a óleo, as bolinhas ou pontos do infinito, conforme a denominação da artista.

Aos 27 anos, Yayoi vai para os Estados Unidos, onde trabalha com grandes nomes da Arte Moderna e Contemporânea como Andy Warhol, Joseph Cornell e Donald Judd. A artista realiza diversos happenings, denominados love forever, contra a guerra do Vietnã.

Em 1973, devido ao agravamento de seu transtorno obsessivo, retorna ao Japão. Lá, interna-se em um hospital psiquiátrico onde vive até hoje, por vontade própria, apesar de usar seu apartamento, há poucos minutos do hospital, como ateliê.

De onde viemos? Quem somos? Para onde vamos? ou um quadro não é um livro

Paul Gauguin, “D’où venons-nous ? Qui sommes-nous ? Où allons-nous?” (1897)

Paul Gauguin foi um tradutor. O pintor, como Nicholas Bourriaud observa, não explora o território polinésio como um etnólogo, ele o traduz. O monumental “De onde viemos? Quem somos? Para onde vamos?”, de quase quatro metros de comprimento, por exemplo, trata pictoricamente do encontro do artista com o contexto cultural no qual se instala. Gauguin não introduz motivos autóctones na pintura ocidental, mas rompe com ela ignorando a linearidade temporal dominante no sistema pictórico ocidental. De acordo com uma convenção, pelo menos até o século XX, um quadro deveria ser lido como se lê um texto, o passado figurando à esquerda, e o futuro, à direita. Gauguin destrói as regras da composição clássica situando o recém-nascido à direita do quadro, uma mulher idosa embaixo, à esquerda, e, no centro, no primeiro plano, a imagem de um adorador. “De onde viemos? Quem somos? Para onde vamos?” revela um universo sem origem ou fim determinados. É, ao mesmo tempo, um manifesto anticristão e antiescatológico, emanado pela ideia da harmonia natural e da circularidade do tempo.